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《当苏格拉底遇上金宝汤》经典读后感有感

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本文摘要:《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(一):这本书刚刚好,也不必须过于附庸风雅去年我也看了很多类似于的艺术书,但没一本是引经据典得很明了的国内原创作品,这本却是很有意思的一本吧,最少在这个环境下还有潜心为了艺术写出点什么的人。摆摊了很多展览,你不整天只不过可以显现出艺术家企图传达的含义,但是看完了作品再行木村着写一本书这就不更容易了。 还有目前对艺术的审美缺陷靠一两本书也堆不补上,不过有这样的作家在希望也称得上一种幸福吧。

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《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(一):这本书刚刚好,也不必须过于附庸风雅去年我也看了很多类似于的艺术书,但没一本是引经据典得很明了的国内原创作品,这本却是很有意思的一本吧,最少在这个环境下还有潜心为了艺术写出点什么的人。摆摊了很多展览,你不整天只不过可以显现出艺术家企图传达的含义,但是看完了作品再行木村着写一本书这就不更容易了。

还有目前对艺术的审美缺陷靠一两本书也堆不补上,不过有这样的作家在希望也称得上一种幸福吧。《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(二):艺术离我们既近又将近说道到艺术,很多人都会避而不谈,或者感觉艺术离我们较远较远,显然不是一个level的,那些艺术家不能让我们相比之下的尊敬着,丝毫不肯附近。但是,艺术的门槛知道有那么低吗?当然不是,尽管阳春白雪让我们无限地憧憬,但是下里巴人有可能更为让我们感觉到确实的“接地气”,艺术没好坏,只有合适与不过于合适。

喜爱的艺术多了之后,我们就不会感觉到有些时候自己的喜爱水平不会有一定的提高,换句话说,自己也不会向阳春白雪方向投向,我指出我就是一个例子。以前对于世界名画,我看见的往往是那些明确的意象在干什么,但是我读书了《敲苏格拉底碰上金宝汤》之后,我更为注目名画中那些汇聚着作者心血的线条,颜色和光线等。说实话,这本书没大幅度篇章地教给读者怎样去喜爱这种世界名画,怎么喜爱这些听得一起竟然人赞叹不已的艺术,而是通过对话的形式,展现艺术的魅力,艺术的美感和艺术的内涵。

其中我较为感兴趣的是每一幅名画的背后,都具有作者有可能不为人知的经历或者动容,理解了这些,对于喜爱大作堪称是锦上添花。现在很多艺术与我们来说恍若隔世,我们与作者无法去交流,不能从他的画作中吸取哪怕是一点与他们涉及的东西,这对于我们来说也是十分贵重的。而这本书好像剥茧抽丝,给我我们还原成一个既矮小又尤其接地气的艺术家人性的一面,而且我找到,很多的杰出的作家在他生活的年代有可能不缴人们的采纳,生不逢时,而死后却能被人们找到闪光点,留给了最出色的艺术,但是生活却仍然拮据,有可能这也是一部分最出色作品的条件之一吧。

书中讲解的很多名画自己大部分都听闻过,而且都如雷贯耳,却没细细地喜爱他们,这本书有了让我只想品读它们的性欲,我期望自己在喜爱这些作品的时候,有不一样的感觉,就样子如沐春风,充满著一切种族主义,可以与作者对话,交流,这是一次多么幸福的体验。艺术与我们离得很近,但此刻却很将近,让我们需要碰到它们,书画它们。《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(三):看展出,没有门槛要评价幼儿的绘画孰优孰劣也许难于,从线条的简洁度和色彩的铺排,高下立判;要品评青少年的绘画也难于,无非是创新、线条、与实物的相近度。但以此书画大师的作品却权宜之计,孩童般的陌生笔触、任性点染的色彩、变形的投影,都不阻碍他们沦为大师,这些甚至是他们与众不同的特点。

当美丽或细致仍然是评价艺术品的硬指标,我们又该如何来喜爱艺术品呢?何卓敏凭借他在艺术品市场多年从业经验,写出了《当苏格拉底碰上金宝汤》一书。两位虚构的主人公,一位是艺术学者,一位是哲学约人,相聚去世界各地看艺术展。他们一旁对艺术大师评头论足,一旁阐释自己的所学。

对话的形式相结合明确的作品赏析,读书来从不乏味。借主人公之口,何卓敏写到:“艺术品漂亮不漂亮早已不出考量首位,反之我会再行思维这件艺术品到底想要向我说什么。”好的艺术家不只是摄影般地将眼前场景拷贝下来,他们不会借以传达自己。

书中讲解了几位“晦涩”的艺术家。譬如,超现实主义代表画家达利。那瘫软融化的时钟、怪异的生物、魔幻的风景,在可笑之中让人抽动。达利的作品像梦境,但重复经常出现的蛋和骷髅又隐喻着生与死的二元矛盾,摄影作品《人体骷髅头》真是让人后移不影。

追溯到一起,达利出生于兄长早夭后,他不仅承继了兄长的名字,也活在父母眼中“哥哥”的阴影下。固然,达利是擅于在舞台上展现出自己的,不会用戏剧性的效果替自己特分,但若没深刻印象的性欲和反感的情感,之后会如此持久地性刺激观者的想象。蒙克亦是令人费解的艺术家,售出天价的《呼喊》,看上去就像孩童的涂鸦。

然而,看著画面的时间就越宽,越觉此中蕴藏难言的压迫和不得已再行无以寻找精准的传达了。“蒙克一生备受疾病与丧生的威胁,因此他在刻画这两个主题时都有尤其浓烈的情绪”。

他是在作品中移往他的灵魂,观者如何能不为之感受到。照理说,沃霍尔应该是大众较为需要解读的艺术家,《金宝汤》或者《玛丽莲·卓别林》都是如此非常简单隐晦,获得而获得了商业上的巨大成功。

可沃霍尔也因此遭诟病,人们指出他的作品过于“艺术”。回应,何卓敏的观点是,沃霍尔“可谓了一个集艺术、商业、时尚风行品位与媒体的年代……商品与艺术的界限,从他的创作开始慢慢被超越”。为什么不是别人?在众多艺术家中,人们确切地听见了沃霍尔的声音,也在时代的洪流中看见了自己。没门槛、没隔阂,艺术和现实如此切合。

但只不过,不光是沃霍尔的作品,在我们看展出的时候,我们也在切合其他作品——倾听艺术家的传达,同时也在以我们的学养和看法做出理解,已完成对作品的再行创作。隔着时空,我们和艺术家互相仰望,揣度他的心境,实则不有可能还原成那个时空的故事。或也于是以因我们可以切合自己的情绪,借此进账哲思、寻找回响,艺术欣赏才如此充满著魅力。

不用神化苏格拉底,亦不用重看金宝汤,画地为牢将使艺术丧失生命力。它本是对外开放的,可以融合各种思想,采纳南来北往的观者。“艺术要通过观者的感觉力量才可以达成协议整体的交流,即使是戏仿或二次创作。

”何卓敏如此作结。——己亥年读书何卓敏《当苏格拉底碰上金宝汤》《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(四):艺术并非如此的无法解读——《当苏格拉底碰上金宝汤》编辑手册艺术并非如此的无法解读——《当苏格拉底碰上金宝汤》编辑手册艺术中国 | 时间:2015-08-28 16:28:32 | 文章来源:艺术中国 当我们游荡艺术馆时,可曾想要过甚么是艺术?特别是在身处现在任何东西都可说是艺术品,人人都可以是艺术家的时代。艺术学者如是说在《当苏格拉底碰上金宝汤》书中的艺术学者Simone明确提出她的点子:「艺」是技能,「法术」是方法。艺术(art)一词是源于于拉丁文「ars」,意为「技巧」。

艺术源于感官;传达源于必须。艺术家们利用他们指出最合理的各种形式及工具藉以建构、传达其「情感」与「想象」,产生生命力,唤出真理,引起回响。

艺术就是建构。如孟克(Edvard Munch,1863-1944)。

与朋友在夕阳下散步的北欧挪威画家孟克看见天空的火烧云时,忽然停下来脚步,看著蓝黑色的天空张开红色火舌,朋友之后前进,他却深感疲惫,车站在原地情绪得发抖,感觉像一股击穿大大自然的吶喊声。在这种极为压迫、不安、疏远及无依的感觉中,孟克创作出有《吶喊》,往返灵魂深处,展现出出有紧绷、沮丧的「不存在状态」。

所画中凸髯的骷髗面庞,纤瘦骨直的身驱,耸立在画作中央,双手遮盖耳朵,吃惊睁着大眼,衬以大面积的鲜红朱色彩及线条变形的背景,形似是表达一声又一声刺耳的音波,令其我们也感受到那股紧绷惊悚片的氛围。《吶喊》由视觉经验转化成了「可看到的声音」,我们或许看见画面就同时听见那声压迫的尖叫声。孟克一生备受疾病与死亡威胁,不难想象他在刻画这两个主题时都具有浓烈的情绪。

这幅往返精神心灵的作品被后世广为拷贝、再行创作,可见此所画图形力之低。哲学约人如是说与艺术学者Simone一起同游各国艺术馆、博物馆的哲学达人Andrea则言简意赅地从哲学层面中为艺术下定义:艺术就是执着在现实生活中无法符合的必须,以「于是以」的精神力量抗衡「胜」的现况,展现出生命的力度。艺术除了有它的启发性、独特性、与众不同外,亦是牵涉到千多亿美元的工业。

如梵谷(Vincent VanGogh,1853-1890)。毕加索曾形容梵谷:「这人如不是一位疯子,就是我们当中伟大的。

」梵谷却知道是个「疯子」,虽然在他短短37年的生涯中只售出了一幅画,但他的出众成就却在后世呈现出。梵谷在27岁时,即1880年,才开始他的画家生涯,短短十年的创作生涯中创作了多达二千幅画,还包括大约八百多幅油画与一千多幅素描,当然还有许多水彩画、版画。在他辞世前的两三年,从巴黎嘈杂的生活,搬到往南部小镇亚耳(Arles),是为创作高峰期。

在亚耳期间,梵谷的老友低更加前往看望,本意是互相传授,惜最后却割席收场。梵谷对低更加希望过低,把自身价值仅有竭尽在他身上,不知不觉把自己挂得低落低贱。梵谷在一次与达利的争执过后,用刮胡刀割去了自己左耳,更加包扎着左耳的自己所画了幅自画像《绑绷带自画像》(Self - portrait with bandaged ear and pipe,1889)。其后梵谷住进了精神疗养院,用绘画放开心情,集中注意力,抵抗疾病带给精神上及肉体上的伤痛,创作出有线条变形,立体生动的《星夜》(The Starry Night,1889)等知名作品。

在他真相大白生命前的一段日子,他仍希望绘画,有可能就是因为他已再去找将近更佳更加难受的隐退之地、容身之所,唯有绘画才能沦为他精神最后的支柱、最后的避难所,最少能让他专心,继续记得生活中的苦。艺术与哲学的趣味火花对一般人来说,艺术的高深、哲学的难懂真是就是清醒剂、无底洞,蜀知道两者却来个「负负得正」。《当苏格拉底碰上金宝汤》的作者何卓敏为香港艺术中心市务及扩展总监,也在香港艺术学院担任导师,多年来的博物馆游历经验及与观者认识体会中,令其她掌控了加深艺术与观者距离的方法。书中的「Simon」是卓敏的右脑,带着艺术视野;「Andrea」是卓敏的左脑,弥漫哲学思维。

两人参观了巴黎庞比度中心,辩论达利大师的作品;前往巴黎罗丹美术馆喜爱雕塑大师罗丹的「冥想者」;再行到法国文化名城福古兰参与漫画节、到爱丁堡参与艺术节;走访孟克名著《吶喊》,到荷兰探访梵谷博物馆,面临同一位艺术家同一件作品以有所不同的观感角度坦言,构成一种艺术欣赏的新观点。也就如书名,古希腊的哲学家与现代艺术作品遇见,是一场令人期望不会有神秘事情再次发生的游历。《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(五):当苏格拉底遇见安迪·沃霍尔,不会迸发出怎样的火花?作者以有意思及聪慧的方式,利用两个分别读哲学及艺术的朋友的对话,在坦言中道出在参观艺术作品过程思维的问题,由于二人像朋友的谈话,段落间允许思想冲刺,不受限于写文章时段落间的起承转合,但脉络明晰,让读者在读者的时候,很更容易追随。

《当苏格拉底碰上金宝汤》文 | 戴文子 【录:本书评系属原创,刊登刊登等事宜请求先豆邮取得许可。】 最近在读什么书?《当苏格拉底碰上金宝汤》。西方艺术,从文艺复兴到后现代艺术,经常出现了达·芬奇、毕加索、梵高、罗丹、孟克、达利、安迪·沃霍尔等有所不同的天才。他们经历有所不同的时代,身世各异,亦某种程度影响了他们的艺术主张。

如要一一细数,该从何说起?《当苏格拉底碰上金宝汤》获取了一种尝试的有可能。本书的作者何卓敏,曾就读于香港中文大学哲学系,后在香港艺术中心工作。或许对她来说,艺术与哲学的关系根本就是艺术家及他的创作历程中最显然,也是最核心的问题。

这本小试牛刀之不作也使用了哲学对话的形式探究了艺术家各自的创作与精神领域的问题。作者以有意思及聪慧的方式,利用两个分别读哲学及艺术的朋友的对话,在坦言中道出在参观艺术作品过程思维的问题,由于二人像朋友的谈话,段落间允许思想冲刺,不受限于写文章时段落间的起承转合,有时候一方明确提出问题,另一人有可能只结尾问一两句,每段对话都不是长篇大论,也没难明的理论,但脉络明晰,让读者在读者的时候,很更容易追随。作者原作二人游览法国、苏格兰、荷兰、台湾等地的博物馆和美术馆;她们通过各地博物馆的展出专程描写展出中的现代艺术家及其艺术与思想的空集。

作者期望以两位虚构人物代表她科学知识历程中注目的两方面:艺术与哲学,而作者这种以特定角色和环境原作的对话,的确比散文体裁的书写有更大吸引力。书中对于艺术家思想及艺术品价值的探究,还是很有意思的,像“蒙娜丽莎的微笑”一所画,在历史上曾引发对于模特儿身份甚至性别的争辩,而达芬奇这个谜样的人物,在作画时的心理状态也沦为辩论的课题,本书作者则借这幅画辩论美的永恒意义,认为约·芬奇以绘画展现出“美”,然而后世指出“美”没什么大不了,哲学家休谟之后指出“美”是主观的感觉,杜象在尿兜上亲笔签名作为艺术品,甚至政治宣传了达芬奇以艺术展现出美的信念。车站在另一个极端来说,安迪·沃霍尔的画作都以名人肖像和商品为题材,“金宝汤”、“玛丽莲·卓别林”、“可口可乐”这些人和物,本身归属于风行文化范畴,也利用安迪·沃霍尔的画作沦为风行文化的最重要符号。安迪·沃霍尔很懂靠“出有位”的“普普艺术观”玩游戏市场策略,你总有一天说不清他是做艺术还是做风行文化潮流。

这有可能看清到比杜象很远的问题:这样还却是艺术吗?所以作者也不已评论道:“论技巧,他只是将一些罐头、标签招纸、硬纸板等一类的东西带入创作中。……但他有的,毕竟独有灵敏的市场触觉”。

然而从另一种艺术评论观点来看,这种懂玩游戏时尚,并且将绘画挽回为玩时尚的革命性作法,不就是现代艺术注重以新概念夺权传统的淋漓尽致吗?安迪·沃霍尔的艺术性在于月将商品广告和坦率艺术混淆,并且从创作过程指出了艺术创作和赚的关系,这样说道不单要说明像安迪·沃霍尔这种艺术家是确实的艺术家,也说明他堪称一个哲学家,安迪·沃霍尔媚俗的创作刚好也合乎了艺术家毕生从艺术作品展开哲学思维的传统。置身于法国安古莱姆的国际漫画节,作者化身的两位旅人思维仍然正处于高雅艺术边缘的漫画的艺术意义。大家都告诉,古希腊哲人柏拉图以“仿效”来定义艺术,但另一方面,艺术也展现出出有生命的踊动。

黑格尔则指出艺术是以感性形式展现出最崇高的理念,这种理念即艺术的内容,就是一种心灵权利的展现出,自为不存在的主体性;但海德格尔指出艺术作品具备“物”的特性,这也到底。如果你同时赞成这些观点的话,那么柏拉图的看法可以是叙述艺术展现出出来的模样,黑格尔的话则可解读为艺术创作的意向,而海德格尔的观点可解读为艺术品本身除去创作以外的特质。那么作者又是怎样看的呢?在《后记二:艺术的命运》中,作者首先提到野兽派画家马蒂斯的话,认为艺术发展不只仅限于个人,而是一股积累的力量,亦即我们先前的文明,是历史将艺术作品诸般艺术家之上。

然后,两位艺术旅人就重复辩论艺术作品的历史命运,并将“人类艺术”与“人类历史文明进程”画上等号。接着作者更加解释艺术是一面镜子,要体现镜子,体现当时经济、文化、生活整体,对此时代等等。这是一种不折不扣的历史主义艺术观,很更容易为读者拒绝接受。

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问题是历史与文明往往由后人去定义,荷马史诗的希腊英雄和文艺复兴时代的艺术固然分别将特洛伊人和不懂艺术的买家视作在他们世界中不可或缺的“外人”,然而他们不一定告诉必需扩展自己的文明圈或保卫自己的艺术。另一个问题是该如何思维艺术家和自己的艺术品的关系。作者最后的众说纷纭是“艺术早已权利了”,的确,现代艺术都变为了概念的呈现出,正如概念艺术家索利莱维兹所说的,问题只是“点子”好不好而已,而“点子”好不好,相当大程度上与是不是创新有关。

另外,感性世界的标准也变动不居,所以艺术家在创作概念上应当“变化成水”。但“水”本身也有化学和物理的形态,不管流向哪里,正如艺术不管指向哪里,本身也一定有沦为艺术的理由。然而正是在艺术家为自己的创作去找不存在理由的时候,他对作品、流派、自身生活甚至生命的思维,才让艺术成其为艺术。

或许作者偏向于指出艺术家对生活思维的比重较小,因为本书标题指向一个哲人形象的苏格拉底与安迪·沃霍尔式普普艺术的金宝汤罐头的遇见,或许意味著当哲思与生活遇见时,艺术之后问世了。是为读书笔记。

二零一九年六月二十六日个人公众号:davenztalk (文子自道),改版原创游记杂感、故事诗歌、影音书评。《当苏格拉底碰上金宝汤》读后感(六):每一件艺术作品都是艺术家内心的真实写照!文/林则徐则林生活中我们大多都是普通人,很少有人不会去展馆喜爱古今中外各位大师的艺术品。就算去了,又能借此体悟到什么呢?我想要,必然大多都会流于表面,不能是逗留在一种视觉的观感上,很难确实转入到艺术品的艺术世界。

这本《当苏格拉底遇上金宝汤》的作者何桌敏,在书里以虚构的形式虚拟世界了两位女性朋友,一位是不懂艺术的Simone,还有一位是不懂哲学的Andrea。两人相聚,从法国巴黎开始游览了全世界的颇受欢迎知名艺术类展馆,通过对话的方式阐释了艺术与哲学的关系。初读这本书,还有些不适应环境。

因为这种对话的方式感觉不会被打乱故事情节的节卯。就像两个好朋友在一起闲谈同一个话题,当你想开始长篇大论时,你的朋友听得不下去了,或是不赞成你的观点,就不会擅自插话来停下来你。即必要又蛮横,读者的思绪也回来戛然而止了。

但好在坚决耐热着性子读书下去,又迅速能适应环境了。却是它是一个作者虚构的两人对话,关键在于它是一个作者。所以,最后还是超过了妥协,内容获得了统一。书中两位艺术爱好者Simone和Andrea,就看起来我们读者的好朋友。

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读书的时候,我们几乎可以把自己当作第三者加进去。我们不说出,竟然她们两个人谈,我们只是一个艺术小白,跟在她俩后面当作一个安静的听众就好了。她们从香港抵达,法国巴黎的蓬皮杜艺术馆中心是此次艺术泛舟的接续点,率领着读者感觉了超现实主义大师达利的“游戏”艺术,“游戏”人生。

接着又去了罗丹美术馆、苏格兰国家现代美术馆、国家画廊,荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆,台北历史博物馆和故宫博物馆,最后再行返回出发点香港文化博物馆和艺术馆。然后还率领着读者,去感觉了一下昂古莱姆国际漫画节和爱丁堡艺穗节。两人的足迹跟随着文艺复兴到后现代艺术的脚步,探究了艺术与哲学、艺术与艺术家个人命运的因果关系。

作为读者的我,感受到的就是——每一件艺术作品都是艺术家内心的真实写照!达利受到弗洛伊德“梦境与幻觉”的精神分析学派,以及德国哲学家康德的哲学思想“时间本身没不存在性,它只是人类觉知现象的一种模式”的影响,创作了很多与梦、与丧生、与时间有关的画作。他的画作中变形的造型看上去是那么的不协商,而且可笑不人与自然。但是,仔细观看,你又样子需要在不协商的感觉中看见那人与自然的布局。

其中《永恒的时间》是其最知名的一副画作。那瘫软的时钟被熔融了,逗留在一个定格的时间上,作为一只钟表无法之后运转其本身不存在的意义早已丧失。但在梦境中,那种无时间性就是另一种永恒的时间。这是人在潜意识中才能保有的一种记忆,现实中我们无法控制时间,唯有梦境能做。

蒙克的《呼喊》是其最知名的代表作,被指出是存在主义中展现出人类悲哀的最重要作品。而这部作品的问世和艺术家本人的人生经历具有密切的相关性。

蒙克的母亲在他5岁时病死结核病,后来他与姐姐一起生活,意外姐姐也杀于结核病,他的父亲还患上精神疾病。兄弟姐妹与母亲陆续去世,丧生之后印有了他幼小的心灵上。

因此,绘画对于蒙克来说是一种抒写情绪的途径,他的悲伤童年沦为了他未来作品的底色。梵高的一生就样子是上帝跟他进的一个笑话,台湾著名诗人余光中用一句话总结了他的一生——他生前没有人看得起,死后无人负担得起!他生前被贫穷、悲伤、空虚、恐惧、失意、告终、可怕、放纵绑着,靠自己的弟弟提奥的接济度日。死后他的画作沦为了价值连城的艺术品,动不动就低约好几亿。

他虽是一名传教的牧师,但他却以自杀身亡的方式了却了自己的一生。《麦田群鸦》是梵高去世前几周的作品,也是他最知名的画作之一,一般指出是他的绝笔之作。

所画中展现出的风相当大,乌云密布,漫天群鸦,没决心,形似是绝路的已邻近,好像祸根了他向这个世界说道“不”的伏笔。他自由选择的颜色也似乎了他早已去找将近决心、去找将近光明的艰苦处境。艺术家根本都是与现实世界有些格格不入的,和商业之间的关系就堪称即密切又疏远,这是艺术家孤傲的性格大不相同,也是艺术家迫使生计的不得已之荐。

而作为波普艺术运动的先锋,安迪·沃霍尔则有有所不同的观点。他指出“赚的商业才是最篮的艺术”。有人指出他只是个机会主义者,愚蠢、哗众取宠,他显然就不懂艺术。

还有人说道他只不会将一些罐头、标签、硬纸板展开剪裁拼凑,作为艺术品来讲没什么深度可言。然而他的“金宝汤”、“玛丽莲·卓别林”、“可口可乐”等,均是让他名利双收的作品。他很早已告诉了名人效应,他给猫王、玛丽莲·卓别林、伊丽莎白·泰勒等好莱坞的巨星所画过很多的肖像画。他将名人符号化、概念化、标签化以及商品化,这就是他的高明之处了。

名人效应最后给他带给了更大的名声和更加多的金钱。如今纵观整个艺术界,艺术商业化、艺术大众化是不可逆的大趋势。艺术源自生活,是生活的产物。

安迪·沃霍尔只是使艺术重返到现实当中来,让艺术重返生活,重返大众。并不是高高在上的才能称之为其为艺术,我们人人都是艺术家。因为,艺术品只不过就是我们内心的感叹辛酸,就像达利一样,它有可能仅仅只是你的一个梦境,也可以看起来蒙克和梵高一样,它有可能是虐待你一生的一个困境,还可以看起来安迪·沃霍尔一样,它有可能就是你不经意间长成的一个点子。

我们通过各种方式(音乐、绘画、文学创作等)把它表达出来了,它就是归属于我们个人的独一无二的艺术品。


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